Для чего я пишу эту статью? Наверное, в первую очередь для того, чтобы для самого себя, а также для всех тех, кто будет это читать, упорядочить всё то, что я узнал о музыке за свою жизнь (а как человек, безумно любящий этот вид искусства, я охватил, хотя бы понемногу, практически все жанры и стили), составить общую картину, я бы даже сказал – генеалогическое древо. Ведь глупо было бы полагать, что все жанры музыки образовались как-то сами по себе, просто потому, что автор что-то там себе экспериментировал. Все музыканты, в первую очередь, всё-таки люди, а человек – существо социальное. И это значит, что на него должны были повлиять и обстановка, в которой он живёт, и какие-то личные мотивы, и, конечно же, всё культурное наследие, созданное до него. Так что, возьму на себя смелость заявить, что блюз – это, в чёрт знает каком колене, но прадедушка современной клубной музыки, а рок и попса являются родными братьями. У большинства же из нас (то есть, современных людей), как выразился один из учёных, клиповое сознание – то есть, мы не можем воспринимать многие явления как единое целое, воспринимая его лишь по частям. И возможно эта статья как-то сможет преодолеть «клиповость» нашего сознания и покажет нам такое явление как «музыка» во всей своей красе, а возможно, даже и сможет дать некоторые толчки в понимании того, что с музыкой происходит сейчас, и что произойдёт с ней в будущем (что наиболее интересно для меня как для молодого композитора – то есть, создателя музыки будущего).
Моя интерпретация, конечно же, не является единственно правильной, и, конечно же, может содержать какие-то ошибки. Хотя бы потому, что она написана только мной одним, а я, как и любой человек, имею какие-то свои предпочтения, и поэтому могу уделить этим предпочтениям больше внимания. Поэтому объективности я вряд ли добьюсь. К слову, в мире вообще нет объективности, ибо то, что мы называем объективностью – это лишь субъективное мнение большинства. Кроме того, у меня, к сожалению, или к счастью, нет музыковедческого образования. В связи с этим, я буду делать основной упор на музыку современную, нежели классическую, так как по традиции музыковеды обычно делают наоборот, и, я думаю, как раз в этом состоит большая ценность такой статьи.
Так вот, начнём. Хотя, собственно, начало и есть самое сложное. Ибо ответить на вопрос, когда появилась музыка, также нелегко, как сказать, что появилось раньше – курица или яйцо. Скорее всего, музыке столько же лет, сколько самому человечеству… Хотя, стоп! В этом месте стоит всё-таки уточнить, что же такое музыка. Вы думаете, музыка – это когда певец (или певица, чтобы не обвинили в дискриминации) выдаёт нараспев какие-либо умные (ну или не очень) мысли? Или вы думаете, что музыка – это когда люди берут в руки музыкальные инструменты и начинают дёргать струны, дуть в трубы и нажимать на клавиши? Конечно, это музыка, но такой взгляд на неё – довольно узкий. Потому что простое постукивание карандашом по столу, пение птиц за окном, журчание воды в реке, шелест листьев, или даже ваше дыхание тоже может стать музыкой, если будет каким-либо образом упорядочено и приведено к гармонии. Таким образом, музыка – это упорядоченный и приведённый к гармонии набор звуков. А так упорядочить звуки мог, пожалуй, только человек (хотя, здесь можно поставить и знак вопроса…).
Конечно же, музыка появилась не в одном месте. Вообще, думаю, стилей музыки столько же, сколько на земле музыкантов, но так как они друг на друга влияют, появляются и общие тенденции. Так вот, первая музыка, которая появилась после немыслимо долгих экспериментов первобытного человека путём постукивания палкой по дереву, и так далее – это музыка народная. Не буду вдаваться в подробности, но университетское гуманитарное образование даёт мне право заявить о том, что народы в их современном виде существуют довольно недолго, и ранее их было гораздо больше. Не потому, что какие-то народы вымерли, а потому, что многообразие народов и их культуры было поглощено культурами государств, старающихся доказать людям, что культура окраины гораздо сильнее похожа на культуру центра, чем на культуру окраины соседнего государства (в то время как изначально различия культур были плавными, и от границ государств не зависели). Для таких целей, к примеру, спагетти, которые готовили в одном итальянском городке, были объявлены общенациональным блюдом. Так вот, то же самое произошло и с музыкой. И народные песни, которые когда-то появились в одном поселении, были искусственно распространены по всей стране. Происходило такое именно на Западе. В восточных же культурах, таких как, например, китайская, ситуация осталась прежней: музыка юга Китая (имеется в виду народная) совершенно не похожа на музыку его севера. В странах же Америки и Европы, и в том числе, в России, народная музыка была унифицирована. Так, много стилей музыки, не попавших под стандарт, были поглощены и перестали развиваться.
Кроме территориальной принадлежности, народная музыка постепенно разделилась на три ветки: это музыка для низов (обычно более лёгкая и весёлая, либо напротив — отражающая народные страдания), и музыка для элиты (в основном – торжественная и серьёзная). Такое разделение было практически везде, где была социальная стратификация общества. И, ах да, забыл про третье направление – это музыка для духовенства (хотя, вобщем, не только) – то есть, религиозная. Две последних часто имели схожие черты. Как раз из двух последних, в равной степени, возникла классическая музыка, и вскоре она стала основной музыкой светского общества. Произошло это примерно в 17-м веке. Религиозная же музыка, оказав большое влияние на классическую, осталась такой, какая и была, до наших дней (вообще, религия – один из наиболее консервативных видов мировоззрения). Кстати, надо сказать, что классическая музыка – это только западное понятие, к восточным цивилизациям никакого отношения не имеющее. На Востоке вообще довольно долгое время господствовал традиционализм, в отличие от Запада, где каждый новый деятель всегда старался переплюнуть предшественника и сделать что-нибудь новое. Таким образом, музыка восточных культур не претерпевает слишком больших изменений до самого 20 века, когда Запад жёстким образом указал Востоку, что традиционализм несостоятелен.
Так вот, самое интересное начинается тогда, когда музыкальные культуры различных народов начинают скрещиваться друг с другом. И первое такое скрещивание получилось в результате активного использования в Европе и Америке рабов, привезённых с Африканского континента. Эти рабы, конечно, привозят на Запад свою культуру, в том числе и музыкальную. Выражается это, прежде всего, в ритмах и мелодических рисунках, характерных для народной африканской музыки. Однако при этом они начинают использовать европейские музыкальные инструменты, довольно большую роль среди которых играет гитара. Первым проявлением такого скрещивания музыкальных культур стал блюз, возникший из, так называемых, «рабочих песен» чёрного населения Америки, повествующих о его тяжёлой жизни. Большой толчок популяризации такой музыки дало освобождение рабов Америки в 1863 году. Эта музыка получила популярность и среди белых.
В это время (18-19 век) появляются средства массовой информации, и начинает своё развитие «массовая культура». Для музыки это становится особенно актуальным в конце 19 века, когда появилась возможность записывать звук, а значит, и возможность донести свою музыку до как можно большего количества слушателей. В связи с этим в мире появляется в несколько раз больше имён, связанных с музыкой, нежели раньше. Также появляется идея, что с помощью музыки до большого количества людей можно донести какую-то мысль, как-то повлиять на них с помощью песни. В связи с этим, вокал в песнях появляется чаще, и всё чаще он исполняется на родном языке. В мире начинают складываться несколько массовых музыкальных культур.
Блюз приобретает особенную популярность в 20-е годы 20-го века, когда появляются ансамбли, исполняющие музыку в этом стиле. Примерно в это же время приобретают популярность такие жанры как госпел (религиозные песнопения, стилизованные под африканскую музыку), регтайм (направление, наиболее близкое к европейской классической музыке, из тех, в которой употребляется синкопа – то есть, несовпадение ритмического акцента с метрическим) и джаз. Символом последнего направления стал такой инструмент как саксофон, играющий наиболее значительную роль в музыке этого жанра (кстати говоря, саксофон был изобретён ещё в середине 19 века, и активно использовался в симфонических оркестрах). Кроме того, начинается более активное, чем в традиционной музыке Европы, использование барабанов. А также используются инструменты, характерные для западной классической (форте пиано, труба, струнные) и народной музыки (например, банджо). Основными чертами этого стиля являются импровизация, а также особый ритм и музыкальный рисунок, называемый свингом (строение композиции, когда первая нота из каждой пары продлевается, а каждая вторая — сокращается). Свою классическую форму джаз приобрёл в 1920-1940 годах – так называемую эпоху биг-бэндов (наиболее известный биг-бэнд – оркестр Гленна Миллера). Биг-бэнды очень напоминали классические оркестры, в которые добавили новые инструменты. Они даже часто играли по нотам, но уже совсем другую музыку (которая при этом является вполне логичным продолжением и законным наследником практически всей той музыки, которая существовала ранее). В джазе и блюзе, как преемниках и народной музыки тоже, гораздо большую, чем в классической музыке роль играет вокал. Именно с этого времени начинается понимание музыки как, в первую очередь, сочетания вокала и аккомпанемента. Такая музыка продолжает доминировать до настоящего времени. Причём, часто в джазе вокалисты и оркестры существовали отдельно и сотрудничали в рамках каких-то конкретных выступлений.
Такая ситуация сложилась в Северной Америке (США и Канада). Впоследствии вся дальнейшая музыкальная культура этого региона будет основана на сплаве европейской и африканской составляющей. В странах Южной и Центральной Америки была несколько другая ситуация. Здесь ведущую позицию сыграла Испано-португальская народная музыка, при очень большом влиянии африканской и индейской музыкальных культур (индейцы были начисто оттеснены из мест, где впоследствии образовались США и Канада, поэтому в культуре этих стран индейцы почти не оставили следов). Сплав получился настолько удачным, что приобрёл большую популярность и далее латиноамериканская и испано-португальская музыкальные культуры влияли друг на друга уже с обоюдной силой.
Что в это время происходило в Европе: там оставалось довольно сильной составляющей линия классической – симфонической оркестровой музыки. В ней стал всё чаще использоваться вокал, и она получала всё больше влияния музыки народной, в связи с тем, что общество превратилось из сословного в классовое, и появлением массовой культуры. Какое-то влияние оказывал и американский джаз. Европейская массовая музыкальная культура сложилась из сплава этих составляющих. Основу этого сплава составил вокал с сильным национальным мотивом, исполняющийся под симфонический оркестр, при использовании народных инструментов. Джазовые мотивы также просматривались.
На просторах СССР долгое время остаётся то самое разделение на народную и классическую музыку, но оприходованное массовой культурой. При помощи музыки активно пропагандируется советская идеология с симфоническим оркестровым аккомпанементом. В народе же самодеятельность наиболее активна в области гармошек и балалаек. Конечно, несмотря на железный занавес, в Советский союз не могли не попадать наиболее значительные достижения западной музыкальной культуры. Появляются подражания, но в это время они чрезвычайно активно, и очень жёстко подавляются официальной идеологией.
Что касается стран Востока и Африки, то в условиях колонизации на территорию колоний проникает музыка стран-метрополий, которым эти колонии принадлежат. Тем не менее, преобладает всё-таки музыка традиционная.
После Второй Мировой Войны американская культура начинает оказывать гораздо большее влияние на Европу. В том числе и музыкальная. В 50-е годы, как США, так и Европу захлестнула волна популярности рок-н-ролла. Рок-н-ролл появился в результате скрещивания нескольких жанров американской музыки (таких как госпел, блюз, джаз, кантри). Предтечей рок-н-ролла явился такой стиль как буги-вуги, появившийся ещё в начале 20 века, и получивший особую популярность в 1940-х годах. Буги-вуги был жанром фортепианной музыки, возникший по причине невозможности игры целых оркестров в маленьких клубах (поэтому приглашали играть отдельно взятых пианистов). Его энергичность и характерный ритм 4/4 завоевали сердца публики. Рок-н-ролл же является результатом перехода от фортепианного звучания буги-вуги к новому гитарному звучанию. Первые электрогитары выпускались фирмой Gibson ещё в 1930-х годах, и использовались джазовыми оркестрами. Впоследствии оказалось, что звуковые искажения (так называемая, «дисторция»), первоначально воспринимаемые как брак, могут создавать самые разнообразные тембры, активно использующиеся в рок-музыке по сей день. Наиболее известными рок-н-ролльными музыкантами являются Чак Берри, Билли Хейл, Литтл Ричард и, конечно, король рок-н-ролла Элвис Пресли. Однако рок-н-ролл оказался не слишком долговечным ввиду своего однообразия.
На смену эмоциональному накалу рок-н-ролла, в 60-е годы в Америку приходит эпоха более мягких и сентиментальных мелодий жанра соул. Наиболее яркими представителями соула были Сэм Кук и Рэй Чарльз. Однако на этот раз мировой музыкальный центр переносится в Великобританию, где в конце 50-х годов возникает коллектив, покоривший всю планету – Beatles.
Один из основателей группы Beatles, Джон Леннон, начал осваивать гитару после того как был вдохновлён творчеством Элвиса Пресли. Он познакомился с талантливым музыкантом Полом Маккартни и его другом Джорджом Харрисоном. Втроём они и составили группу. Позже к группе присоединился барабанщик Ринго Старр. Битлз начинали как аккомпанирующая группа, играющая преимущественно рок-н-ролл. Одна из первых выпущенных ими пластинок была записана с вокалистом Тони Шериданом. Однако вскоре Битлы начали петь собственные песни и довольно быстро выработали собственный стиль. Стиль ранних Битлов представлял собой лёгкие песни о любви с запоминающейся мелодией, воспроизводимой, как правило, вокалом, при использовании уже практиковавшейся в более ранних жанрах схемой «куплет-припев». Именно здесь берёт начало вся музыка, которую можно назвать «популярной» — или «поп-музыка» (а музыка Битлов была действительно популярна – доходило до того, что люди просто сходили с ума, входили некий транс, услышав музыку или увидев живых Битлз). Но при этом Битлы были одной из первых групп, определивших классический состав вокально-инструментального ансамбля: «гитара ритм, соло и бас + барабанная установка», который стал, чуть ли не обязательным для рок-группы. Кроме того, в своих более поздних сочинениях, а также в сольном проекте Джона Леннона («Занимайтесь любовью, а не войной»), затрагивались актуальные социально-политические темы, в поведении, высказываниях участников группы выражался протест против существующих устоев. Чего стоит только одна фраза «Уже сейчас мы популярнее Иисуса Христа», сказанная Джоном Ленноном. Всё это впоследствии стало активно практиковаться рок-группами, которые церковь, начиная с Битлз, причисляет к сатанизму и прочим смертным грехам. Более того, в 1967 году Beatles кардинально меняет свой стиль, став чисто студийной группой, и основателем очень широкого направления психеделической музыки, в которой было много смелых экспериментов. Таким образом, группа Битлз явилась основателем практически всей музыки, которая была после них. Тем не менее, их музыка была вполне закономерным этапом, вытекающим из всей предыдущей истории. В битловских песнях использовались и мотивы народной музыки (особым интересном на этот раз пользуется музыка Дальнего Востока, в связи с большим интересом на Западе к восточным религиям и искусству). В их творчестве ощущался даже налёт классики. Например, песня Yesturday исполнялась под аккомпанемент симфонического оркестра.
Кстати говоря, оркестровая музыка, при всей популярности маленьких вокально-инструментальных ансамблей, никуда не исчезла. В 60-е, 70-е годы существовало немало больших оркестров, исполняющих классическую музыку, джаз и популярную инструментальную музыку. Они также могли исполнять и авторскую музыку руководителей. Яркими руководителями подобных оркестров были Поль Мориа, Джеймс Ласт, Энтони Вентура, Эннио Морриконе и другие.
Сильную конкуренцию группе Битлз всегда составляли другие наследники блюза и рок-н-ролла, которых можно по праву назвать отцами современной рок-музыки – это ещё одна британская группа — Rolling stones. Группа создавалась как бунтарская альтернатива Битлам, и бунтарство, протест — вскоре стали символами рок-музыки. В современной рок-культуре иногда применяется такое определение как «рок – это протест». Именно Роллинги основали тот стиль, который будет называться «классическим роком», который играли и Deep purple, и Led zeppelin, и Queen, и Scorpions, и Aerosmith, и многие другие. Такую музыку также называют хард-роком. Отдельных слов заслуживает группа Pink floyd, подхватившая психеделические эксперименты Битлз и активно развивающая это направление.
Позже, в середине 70-х, хард-рок развился в очень широкое направление рок-музыки – метал, характеризующийся утяжелённым звучанием и упором на инструментальную составляющую песни. Для металла характерны длинные инструментальные проигрыши на соло-гитаре, демонстрации виртуозной игры. Этот стиль оказался весьма живуч, и после своего появления никогда не терял популярности, всегда находил своего слушателя. Первой метал-группой считается Black Sabbath, в составе которой пели такие легендарные личности в рок-музыке как Оззи Осборн и Ронни Дио. Впоследствии в металле было порождено огромное количество разных жанров, не слишком различающихся друг от друга. Скорее всего, такое многообразие похожих жанров (не только в металле, но и других направлениях — в частности, электронной музыке) связано с тем, что каждый музыкант хочет выделиться и создать нечто новое. Однако, как правило, он не слишком далеко уходит от того, что уже было создано до него, и удаётся это лишь единицам. Наиболее популярными из этих многочисленных подвидов металла явились, к примеру, трэш-метал (экстремальный вид метала, отличающийся высокой скоростью и агрессией), дэт-метал (трэш-метал с рычащим вокалом, называемым «гроулингом») и дум-метал (музыка с медленным темпом, но тяжёлым звучанием). В 90-х годах появляются новые течения в металлической музыке – симфоник-метал (гибрид металла с симфонической музыкой – используется оперный вокал, хор, симфонические инструменты) и нью-метал (гибрид металла с гранжем и хип-хопом).
В начале 70-х годов в Европе и Америке почти одновременно рождается чисто танцевальный стиль музыки – диско, необходимость в котором люди испытывали в связи с увеличением интереса рок-музыкантов психеделикой и утяжелением их музыки. Истоками диско были рок-н-ролл, ритм-н-блюз, фанк, музыка группы Beatles. Группой-основателем жанра диско считается немецкий коллектив Silver convention. После этого диско-группы начали появляться как грибы после дождя. Наиболее известными коллективами, исполнявшими песни в жанре диско 70-х, были Arabesque, Boney M., Eruption, Dschinghis khan, Gloria Gaynor, Dalida, Belle époque.
Однако у музыки 70-х была и другая сторона медали – панк-рок. До появления одноимённого движения, слово «панк» использовалось в английском разговорном языке в качестве разнообразных ругательств, что отражает всю суть и этого направления музыки. Музыка Панков создавалась как протест против коммерциализации музыки. У Панков нет чётко определённой идеологии, но одной из основных позиций, которой они придерживаются, является стремление к свободе, неподчинение, нонконформизм. Панки бунтовали против красивой оболочки, в которую заключена музыка, поэтому их творчество отличается отсутствием красивых, богатых, сложных аранжировок, предельная простота. Панки считали, что в музыке важны драйв и энергетика, а также текст, как правило, направленный на острые социально-политические проблемы. Поэтому панк-рок можно охарактеризовать фразой «три аккорда, много крика». Причем, как правило, эти «три аккорда» игрались абы как, без особого старания, куда кривая выведет. Вокал также ни красотой, ни профессионализмом, ни, подчас, даже слухом не отличался… Наиболее известными представителями панк-рока являются группы Ramones, Sex pistols и Iggi Pop.
Диско и панк-рок были основными направлениями музыки 70-х. Однако тем временем, некоторые музыканты потихоньку продолжали экспирименты в области психеделики, начатые Beatles и Pink floyd. Особенного размаха эти эксперименты достигли в Германии, где был создан стиль психеделичной музыки, называемый краут-роком. Слово «краут» происходит от немецкого слова, обозначающего «капуста». Так называли немцев в Европе. Краут-рок представляет собой психеделическую рок-музыку с использованием электронных инструментов – синтезаторов, а также прочих способов электронной обработки звука, возможной в то время. Самыми известными группами, игравшими краут-рок, являются Neu!, Can, Cluster, Ash Ra tempel, ранние Tangerine dream. Особо извращённый авангард создавал один из отцов электронной музыки (а слова «экспериментальная» и «электронная музыка» в те годы были синонимами) – Клаус Шульце, композиции которого по своей длине достигали двадцати, сорока, а то и шестидесяти минут.
Электронная музыка в то время была в новинку, и с помощью электромузыкальных инструментов создавались в основном композиции музыкального авангарда. Внезапно, в середине 70-х заявляет о себе группа, которая неожиданно начинает применять синтезаторы для создания поп-музыки. Группа эта оказала огромное влияние на мировую музыкальную культуру, сравнимое с влиянием группы Beatles. И имя этой группе – Kraftwerk. Долгое время Kraftwerk, во главе с Ральфом Хюттером и Флорианом Шнайдером, крутилась в среде краут-рока, и создавала свои произведения в этом жанре. В раннем составе Крафтверка играли Клаус Дингер и Михаэль Ротер, которые, покинув группу, создали свой дуэт Neu! – один из основных краут-роковых коллективов. Вершиной авангардного творчества Kraftwerk стал красивейший альбом Autobahn, заглавная тема которого представляет собой шум дороги, полностью созданный на синтезаторах. Но известной группа стала после того, как вышли альбомы Trans-Europe express и Die mench-machine – первые альбомы поп-музыки, записанные на синтезаторах. На творчестве Kraftwerk этого периода основывается почти вся музыка конца 70-х – начала 90-х. Влияния их можно услышать и по сей день.
Примерно в это же время зарождается такой стиль музыки как «классическая инструментальная электроника». Вдохновлённые творчеством Kraftwerk, в Европе один за другим появляются синтезаторные коллективы. Наиболее известные из них – Tangerine dream, также переквалифицировавшиеся из краут-рокеров, и группа с космическим имиджем Space. Особых слов заслуживает Брайан Ино – один из отцов жанра «эмбиент» (середина 70-х). Однажды он лежал дома с переломом и, за неимением другого занятия, прислушивался к звукам, доносящимся с улицы. Уловив в них некую мелодичность, он воплотил в жизнь мысли музыкальных теоретиков Луиджи Руссоло и Балилла Прателла, которые говорили, что музыка может состоять не только из звуков, создаваемых музыкальными инструментами, но и простыми звуками, которые окружают нас, если их упорядочить и привести к гармонии. Впоследствии эмбиент повлиял на многие другие жанры, от него произошло множество ответвлений, таких как, например, нью эйдж (фантазийная музыка, рисующая иные миры), индастриал (музыка с использованием индустриальных звуков).
Идея эмбиентной музыки стала активно использоваться в классической инстументальной электронике, в частности, Жаном Мишелем Жаром – французским композитором, создавший гениальную смесь стиля Крафтверка со звуковыми эффектами Клауса Шульце и мелодиями, созданными под влиянием английской музыки 60-х, композитором, который оказался способен удержать популярность своей инструментальной электронной музыки до самого конца 90-х годов. Кроме своей музыки, Жарр известен также глобальными музыкальными шоу, проводимыми в различных городах мира. В отличие от большинства музыкантов, обычно устраивавших турне в поддержку своих альбомов, Жарр создавал одноразовые глобальные концерты, не только с музыкой, но и световым шоу, экранами, фейерверками, подтанцовкой. А на сцене, кроме основного десятка человек из его музыкального коллектива, находились симфонический оркестр и хор, приглашались музыканты, игравшие на этнических инструментах той страны, в которой выступал Жарр, или вокалисты, поющие народные песни. Кроме того, эти шоу, как правило, проходили в необычных для концерта местах – таких как Лондонские доки, Эйфелева башня, Акрополь. С именем Жана Мишеля Жарра связана ещё одна интересная история: в протест против музыкального пиратства, один из его альбомов (Musique pour supermarche, 1983) был выпущен в единственном экземпляре, и продан на аукционе. Однако он также был один раз проигран на радио. Эта трансляция была записана на магнитофон и впоследствии широко распространилась в Интернете. Наконец, Жан Мишель Жарр был первым западным композитором, совершившим гастрольную поездку в коммунистический Китай (1981). Именно в его лице китайцы впервые познакомились с западной музыкальной культурой (до этого им были известны только произведения классических западных композиторов, таких как Бетховен, или Штраус, местная музыкальная культура была народной, национальной).
Вплоть до 80-х годов 20 века на Востоке преобладала народная музыка, процессы, происходившие с музыкой на Западе, мало влияли на неё. Однако, хоть и в небольшом количестве, но основные достижения западной музыкальной культуры попадают и в страны Востока. Например, в Южной Корее в 70-е годы молодёжь увлекается музыкой жанра соул, пришедшей туда из США (американские войска находятся в Южной Корее после окончания Второй Мировой Войны), и это увлечение активно подавляется властями (популярная музыка запрещается). В Китае, как и на Ближнем и Среднем Востоке, популярная музыка до сих пор почти обязательно содержит элементы народной музыки. Самой демократичной Восточной страной оказалась Япония. В 80-е годы в ней возник стиль, называемый J-роком (от слова Japanese, что означает «японский»). Берёт своё начало этот стиль из творчества группы X-Japan – первой японской рок-группой, вдохновлявшейся группой Kiss. Впоследствии все японские рок-группы будут ощущать их влияние, причём не только в музыке, но и во внешнем виде: следуя за своими эпатажными западными кумирами, X-Japan создала новую японскую моду «вижуал кэй», тридцатилетнюю выдержку которой можно до сих пор наблюдать на улицах Токио.
Но вернёмся на Запад. Как ни крути, основные тенденции современной музыки складываются всё-таки там. В 80-е годы электронно-синтезаторная музыка всё больше выходит за рамки авангарда и музыки для интеллигенции. Гитарная музыка, рокеры, и особенно панки всё больше надоедают публике. У слушателей появляется потребность в чём-то красивом и в то же время простом и понятном. Появление нового стиля не заставило себя долго ждать. Европу заполонила молодёжь, именовавшая себя «новыми романтиками». Вместо грязного и ободранного вида Панков, новые романтики начинают носить яркую, шикарную одежду, рубашки с оборочками, красить волосы, и.т.п. Одним из стремлений новых романтиков был отход от гитарного звучания и создание нового – синтезаторного. В этом ключе работали такие группы как Visage или Ultravox. Однако сразу сделать этого не удалось. За долгое время в сознании музыкантов прочно засело, что если группа не использует гитары или живые барабаны, это не может быть настоящей музыкой. Так, поначалу и Duran duran, пытаясь создать нечто новое, играли практически тот же рок, но в других костюмах. Первой группой, которой удалось достойно продолжить дело Крафтверка и создать чисто синтезаторную поп-музыку для масс, стал коллектив из английского городка Бэзилдон, под названием Depeche mode.
Таким образом, в 1980-м году, Depeche mode явились одними из основателей жанра синт-поп, который тут же завоевал популярность во всей Европе, а в середине 80-х – и в США. До СССР синт-поп, как и любой другой жанр, созданный на Западе, дошёл с опозданием (джаз и рок появились в Советском Союзе примерно через десять лет после своего появления в Европе и Америке) – уже во второй половине 80-х, когда началась Перестройка. Любая музыка 80-х стала звучать так, как будто это синт-поп. Даже если в ней вообще не использовались синтезаторы, в том числе и в музыке рок-групп того времени (например, группы Police). Танцевальная музыка диско тоже переродилась в своей синт-ипостаси. Великий Майкл Джексон, создавая свой фирменный стиль, соединил синт-поп и ритм-энд-блюз. Именно это сочетание, в синтезе с хип-хопом и родило позже то, что называется современным R’n’B. Диско на основе синт-попа называется «евродиско». Наиболее известным композитором в жанре евродиско является Дитер Болен – автор песен для проектов Modern talking, CC Catch, Blue system, и большого количества других. На евродиско основывается и поп-музыка сегодняшнего дня.
Но синт-попом Депеша не ограничились. После ухода из группы её первого лидера, Винсента Кларка, песни стал сочинять Мартин Ли Гор, а аранжировками заниматься – новый музыкант группы — Алан Уайлдер. Новый состав группы к 1984 году создал свой индивидуальный стиль. Песни же стали более серьёзными, смелыми и экспериментальными. Вскоре у этой музыки появилась не только целая армия поклонников, но и многочисленные подражания.
Общий стиль музыки 80-х, основанный на синт-попе, называют пост-панком. Эта музыка с одной стороны шла вразрез с небрежностью панковой музыки, но с другой — сохранила её монотонность. Одна из наиболее знаковых фигур в пост-панке – группа Cure, во главе со своим лидером Робертом Смитом.
Здесь сделаем ещё одно отступление и расскажем о том, что происходило с музыкой в СССР и странах СНГ. В 1987 году, в перестроечном Союзе началось такое явление как «красная волна», которое родило стиль музыки, называемый «русским роком» (наиболее яркие представители – группы Кино, Алиса, Агата Кристи, ДДТ). Любопытно, что формировался этот стиль из двух источников. С одной стороны это был английский пост-панк в лице Cure и Depeche mode, а с другой – советская авторская песня. И то, и другое вообще сложно в полной мере назвать роком. Но советские, а за ними – и российские слушатели (как и слушатели всех стран СНГ), начали с тех пор воспринимать рок именно в первую очередь как музыку социально-политического протеста, первым и обязательным признаком которой было наличие текста, направленного на какую-либо проблему. При этом всегда закрывались глаза на то, какая музыка этот текст сопровождает, и насколько качественно она играется (а игралась она, как правило, безобразно, и на совершенно безобразной технике). Рок в странах СНГ стал резко противопоставляться поп-музыке (пренебрежительно её называют «попсой»), хотя на самом деле, рок является одним из жанров популярной музыки.
Более того, в виду музыкальной неграмотности, так называемый «русский рок» стал восприниматься как нечто самобытное, и приводится в пример современным подражаниям западной музыке, в то время как сами представители «русского рока» периодически даже использовали в своих песнях мелодии тех же Cure. Фактически ничего самобытного в российской музыке, кроме народного творчества, никогда не было. Обычно, российские и советские музыкальные коллективы создавали свои произведения в уже придуманных на Западе жанрах. Так советские ВИА вроде Весёлых ребят, или группы Лейся песня, и даже первые ласточки русского рока, такие как Воскресенье и Машина времени, явились продолжателями стиля группы Beatles. Иногда в их стиль подмешивали русские народные мотивы (так делала, например, группа Ариэль). В стиле европейского синт-попа и евродиско создавались песни Ласкового мая и группы Мираж. В американских жанрах джаза и рок-н-ролла работала группа Браво. Стиль английской метал-группы Iron maiden заимствовала российская группа Ария. Европейской классической электроникой занимались Новая коллекция, Эдуард Артемьев, Алексей Рыбников.… Справедливости ради, следует заметить, что ничего плохого во всём этом нет, и заимствования нисколько не мешали всем выше отмеченным музыкантам и композиторам создавать очень хорошие произведения.
Подобная ситуация характерна и для некоторых стран Востока. В частности, для Кореи, ощущающей сильное влияние американской музыкальной культуры. К примеру, ритм-энд-блюза во всех его проявлениях – от соула до современного R’n’B. Часто корейские артисты не только выступают в уже созданных на Западе жанрах, но и перепевают популярные американские или, например, японские песни. Причём корейские слушатели тоже принимают свою современную музыку за нечто самобытное, по причине слабой осведомлённости в зарубежной музыкальной культуре.
Итак, мы оставили Европу и Америку в эпоху господства синт-попа и пост-панка 80-х. Однако всё хорошее имеет свойство когда-нибудь заканчиваться, а одна и та же музыка несколько лет подряд – свойство надоедать слушателям. И вот, в начале 90-х годов, синт-поп и пост-панк начинает постепенно вытесняться из хит-парадов новой музыкой. Новое популярное направление называется гранджем. Курт Кобейн – фронт-мен группы Nirvana и наиболее яркая фигура гранджа, обычно выходил на сцену накаченный наркотиками и алкоголем, и при этом пытался воспроизвести на гитаре несколько аккордов, параллельно прокричав вокальную партию. Качество таких выступлений, откровенно говоря, оставляло желать лучшего, но зато он был настолько харизматичной личностью, что всем такая музыка нравилась. Не знаю как вам, но мне это сильно напоминает феномен популярности панк-рока в 70-х.
Таким образом, повышается популярность гитарной музыки, в то время как электронно-синтезаторное звучание свой рейтинг теряет. Связано это с тем, что в 90-х был изобретён совершенно другой принцип создания электронной музыки: компьютерные технологии начали позволять создавать электронную музыку любому, кто хоть немного разберётся в написанных для этого программах. Таким образом, электронная музыка в значительной мере упрощается, и создаётся путём компиляции уже готовых сэмплов на компьютере или синтезаторе. Электронная музыка становится слишком однообразной и примитивной, годной только для танцев в нетрезвом состоянии. С другой стороны, синтезаторы начинают позволять имитировать звук живых инструментов всё лучше и лучше, и синтезируются всё чаще именно такие звуки. Таким образом, весь смысл электронной музыки теряется. Сегодня звучание электроники, подчас, мало чем отличается от музыки, сыгранной на живых инструментах. При наличии хорошей звуковой карты и широкой библиотеки звуков, любую музыку можно «нарисовать» на компьютере без применения каких-либо инструментов вообще.
Привлекательность гитарной музыки же заключается в том, что она наиболее выигрышно смотрится на сцене (гораздо легче завести толпу, если прыгать с гитарой, чем стоять за синтезатором). По этой причине многие поп-группы начинают ориентироваться на гитарное звучание. Рок-музыка значительно упрощается, по примеру гранджа, а для большей привлекательности она оборачивается в красивую обёртку качественной студийной записи и профессиональной игры. Героями нового поколения становятся обычные подростки с гитарами в руках.
Другой стороной музыки сегодняшнего дня стали результаты экспириментов американских чернокожих диск-жокеев, которые ещё в конце 70-х проигрывали пластинки ритм-энд-блюза, накладывая одну мелодию на другую, читая своеобразный речетатив, называемый рэпом. Так родился хип-хоп, ставший популярным примерно через 20 лет после своего появления. Как правило, эти стили отличались предельным минимализмом: в песнях используются только очень простая ритм-секция, под которую читается рэп. Иногда щедрость рэперов позволяет добавить в хип-хоповую композицию одну мелодичную партию в припеве. Рэп также употребляется в других жанрах, наряду с вокальными партиями. Музыкальная составляющая хип-хопа оказала сильное влияние на современный ритм-энд-блюз, известный как R’n’B.
Итак, в изложенном выше можно чётко заметить главную болезнь современной музыки – примитивизм. Вторая болезнь – отсутствие мелодизма. Третья – однообразие. Не знаю как Вам, но лично мне уже надоело всё, что сейчас крутится на музыкальном олимпе. И, на мой взгляд, именно сейчас музыка нуждается в новых именах, в свежих силах, которые создадут нечто совершенно новое и интересное, не будут бояться экспериментировать. Вам интересно, что будет в музыке дальше? Мне – да!=)