Одна из наиболее распространенных проблем начинающих композиторов, это превращение созданной ими петли [loop] из, как правило, 8 тактов, в полноценную песню. Вы тратите часы, совершенствуя интересный грув, он уже несомненно вас качает, и даже все ваши друзья вас уверяют, что это самый классный кусочек звука (все 2,3 секунды), который они когда-либо слышали. Так как же вы возьмете этот маленький огрызочек идеи, и превратите его в нечто, что людям хотелось бы слушать снова и снова?
В этой статье я рассмотрю различные способы, найденные мной, ускоряющие этот процесс и делающие его гораздо менее сложным, чем вам кажется. И как обычно, оговорюсь, что вы никогда не должны воспринимать то, что я говорю, как истину в последней инстанции. Не бойтесь пробовать новые идеи самостоятельно, или изменять идеи, представленные здесь, чтобы совершенствовать свой собственный стиль написания музыки.
Прежде чем углубиться в способы, которые превратят петлю в законченную песню, давайте взглянем, почему так много людей застревают на фазе «создания петли». Думаю, что основных причин тут две:
— Это диктуется оборудованием.
— Растущая популярность готовых петель.
Многие люди, использующие аппаратные грув-боксы, знакомы с концепцией «паттернов», коротких музыкальных фраз, длиною как правило менее 32 тактов. Паттерны, в свою очередь, организованы в длинные песни, которые в основном являются лишь сборниками этих паттернов. Так что с самого начала вы уже подготовлены к написанию музыки, которая выглядит как короткие кусочки повторяющейся мелодии. И этот принцип используется не только в железе. Производители программного обеспечения, к радости или сожалению, позаимствовали идею работы у подобных устройств. В основе таких программ, как Reason, Fruity Loops, и Acid заложен принцип работы с паттернами. Это, как правило, программы для начинающих, простые в приобретении и использовании. Это и объясняет, почему большинство людей не могут выбраться из этой стадии.
А другой причиной, по которой, как мне кажется, люди не могут «выйти из петли» , является то, что большинство предпочитает обращаются к готовым аудио петлям в процессе создания песни. Достаточно просто запустить программу, например Ableton Live или Acid Sony, и начать объединять кучу петель в хорошо звучащий грув. Вы можете получить то, что звучит как законченный отрывок песни в кратчайшие сроки, не задумываясь о таких вещах, как структура песни и поддержание интереса слушателей на протяжение всего произведения.
Итак, как же нам взять эти элементы и превратить их во что-то, что мы могли бы назвать готовым продуктом?
Первое, что вам нужно сделать, это задуматься о том, что вы пытаетесь сказать, своей песней, какова её цель? Будет ли она насыщена танцевальным настроем и энергией, на протяжении всего времени? Или же это песня, которая будет постепенно нарастать и раскрываться? Или же наоборот это завершающая часть на CD, которая должна постепенно снижаться по интенсивности? Или у вас пока еще нет идеи, лишь какие-нибудь классные звуки, которые вы хотели бы использовать в песне? В любом случае, запишите ваши намерения, и держите их под рукой. Зачастую однажды начав работу очень легко отвлечься, но возможность вернуться к своей цели может избавить вас от головной боли в дальнейшем.
Первое, что я рекомендовал бы, это настроить вашу DAW [Digital audio workstation — любой современный секвeнсор], так чтобы каждый из звуков был на своей собственной дорожке в окнах аранжировки/проекта/временной шкалы. Это позволит легко перемещать различные части песни, формируя её очертания и поможет вам визуализировать расположение этих частей. Особенно полезно это будет начинающим. И не важно с чем вы работаете, с midi или аудио. Это простое правило применимо в любом случае.
Далее определите продолжительность песни, хотя бы примерно. В конце концов, вы всегда можете изменить её позже, если захотите. Для большинства танцевальной музыки, я бы рекомендовал минут 7. В других стилях музыки, скорее всего, можно начать с 5 минут. Опять же вы всегда можете изменить продолжительность позже, так что не чувствуйте себя слишком ограниченными вашим решением, и уж тем более не переживайте по этому поводу. Часто люди пытаются писать огромные эпические песни, а в итоге получается затянутая песня, которая просто не развита должным образом. Так что нет необходимости создания 12 минутных «марафонов», без веских на то причин. Делайте песню короткой. Делайте её вкусной, и вам удастся удержать интерес слушателей намного лучше.
Итак теперь у нас есть пустой холст (пустой проект песни, в уменьшенном масштабе, чтобы показать всю длину песни), и у нас есть наши элементы песни (части нашей петли) расположенные по вертикали. Это должно выглядеть примерно так:
Я думаю, именно тут, где многие и застревают, или просто путаются, куда двигаться дальше. Похожая ситуация бывает у писателя, глядящего на пустую страницу и не знающего, с чего начать, или художника, смотрящего на чистый холст в нерешительности сделать первый мазок. Мы обойдем этот этап сразу же, и просто заполним наш холст цветом. Для этого просто размножьте все ваши петли на всю длину песни. Заполните, ваш холст так, чтобы вы больше не смотрели на пустую страницу. У вас должно получиться что-то вроде этого:
Эту технику я называю субтрактивным секвенсингом. Мы начинаем со всех элементов песни и удаляем кусочки, формируя структуру песни. Мы вернемся к этому, но сначала давайте поговорим о структуре песни.
В простом виде структура песни это то, как прогрессирует ваша песня от начала до конца: Какие элементы играют одновременно, какие по отдельности, как долго они играют, и т.д. Как энергия песни связана с её продолжительностью. Это поможет хорошо понимать и представлять как ваши песни должны быть структурированы, когда вы нанете аранжировку. Но даже если у вас пока нет никаких идей, все же есть несколько простых принципов, позволяющих довольно просто разобраться в этом вопросе.
Возьмем, к примеру, вашу петлю. В большинстве случаев если вы проиграете все элементы петли одновременно, то получите максимальную энергию вашего трека. Вы не добавляете больше звуковой информации, так как вы уже используете все части, так что можно довольно уверенно утверждать, что «пиковая» часть трека будет в этой точке. Вы можете наращивать [build up — повышать энергию песни, здесь и далее] песню постепенно к этой точке, или вы можете от этой точки постепенно уходить, понижая энергию, или вы можете сделать это несколько раз на протяжении всей песни. Это зависит только от вас, и тут как раз я не могу указывать вам, что именно делать.
Но ради обучения, давайте представим, что мы хотим создать мелодию, которая постепенно нарастает до этого пика в течение большей части песни, а затем довольно быстро затухает [fades out] в конце. На ранней стадии моего творчества я имел обыкновение быстро намечать график, который помогал бы мне в процессе аранжировки всех частей песни. Но я рисовал не сами части песни, а то, как энергия или возбуждение [excitement] трека прогрессирует в течение его продолжительности. Например:
Вы видите, что песня начинается довольно сдержано, нарастает в течение первых нескольких минут, почти достигает пика, переходит в яму [drop section], затем выходит из ямы в пик, после чего уровень энергии медленно возвращается вниз. Будем надеяться, что это достаточно интересно, чтобы заставить людей захотеть слушать песню снова и снова!
Использование диаграмм наподобие этой как руководство действительно может помочь вам представить, как песня будет выглядеть, когда будет разложена в вашей DAW. И да, это музыка, и мы должны использовать наши уши так же хорошо как и наши глаза, но давайте будем честными и просто признаем, что мы собираемся визуализировать большинство процессов на начальном этапе. И помните, что это лишь один из многих способов разложить песню. Я просто хочу на этом примере показать вам процесс. И существуют миллионы способов прогрессирования песни с точки зрения энергии, поэтому не стоит считать, что эта форма лучшая или самая правильная.
Следующим шагом будет перевод этого графика энергии в кусочки нашей песни, которые мы уже написали. Как упоминалось ранее, мы уже знаем, что пик песни будет, когда все части играют вместе, так что часть песни уже сделана! Теперь давайте посмотрим на вступление. Мы уже знаем, что здесь мало что будет происходить по сравнению с пиком. Это значит, что у нас не будет слишком много одновременно играющих частей, так что давайте выберем пару кусочков вашей петли, которые интересны, но не являются основными. Это могут быть, перкуссионные партии, какие то пэды [pads] или окружающие звуки [ambient sounds], что-то, чтобы привлечь внимание людей, но не раскрыть, так сказать, всей интриги.
Я считаю длительность в 16-32 такта, как правило, хорошая отправная точка для вступления, хотя в некоторых танцевальных композициях, скорее всего, лучше работать с большим числом тактов. Еще в клубной музыке вполне возможно, что вы захотите иметь сильный ритмический элемент и во вступлении, чтобы ди-джей мог при необходимости подогнать темп во время исполнения. Это далеко не редкость, чтобы бочка играла прямо с самого начала, хотя в моем примере я собираюсь немного подождать, чтобы ввести её. Вот что я придумал для этой песни:
Как вы видите, несколько элементов ударных, и некоторые менее важные (или лучше сказать менее «сильные») синтезаторные [synth] элементы. То же самое относится и к окончанию песни. Нам нужно чтобы одновременно играло только несколько таких элементов, которые помогут людям плавно выйти из настроения песни и постепенно сведут энергию вниз. И опять же, для клубной музыки вы, вероятно, захотите оставить ритмические элементы до конца, чтобы позволить ди-джею перейти в другую композицию. Вот где мы сейчас находимся на примере:
В этом примере я снова забежал вперед и создал некоторые локаторы [вероятно не все DAW это позволят], которые помогут мне видеть, где будут различные части композиции (просто некоторые визуальные ориентиры). Опять же, обратитесь к вашему графику энергии, чтобы увидеть, где они должны располагаться. Я склонен придерживаться принципа разложения секции песни в виде комплекта из 8 тактов (то есть, 16, 24, 32, 48 и т.д.), с этим большинство людей знакомы с при прослушивании, это длительности после которых они ожидают изменений. Я не вижу причин, по которым вы не могли бы сделать это по своему, если вы чувствуете в этом необходимость!
Теперь остановимся на частях песни с низкой энергией (к тому же легче формировать эти части на начальном этапе), давайте посмотрим на яму. Опять же, тут важно снизить энергию так, чтобы когда мы вышли из ямы в пик песни, это было бы супер захватывающе и действительно привлекало внимание слушателей. Удаляем все, кроме нескольких частей, поэкспериментируем с различными комбинациями деталей. Используйте кнопки mute в вашей DAW, чтобы услышать, какие части лучше работают вместе. Ведь мы хотим дать людям вкус пика впереди, но по-прежнему дразня их минимум.
Вы можете видеть в моем примере, что даже если у меня есть всего лишь несколько элементов, играющих вместе во время вступления, окончания и ямы, я забочусь об использовании различных комбинаций звуков для каждого раздела. Это позволяет избежать слишком знакомого и повторяющегося звучания в этих частях песни.
Кажется уже начинает выглядеть как настоящая песня!
Давайте проработаем затухание [build down — понижение энергию песни, здесь и далее] к окончанию песни, так как это относительно короткая секция. В дальнейшем нам останется только проработать нарастание [build up]. Опять же, я удаляю кусочки, уменьшая энергию песни, не опускаю ее слишком сильно, чтобы это не выглядело как окончание песни. Чаще всего я просто убираю основной лидирующий звук [lead sound], или заменяю его на другой, менее сильный. Будьте осторожнее со звуками, играющими, быть может, слишком долго. Вы же не хотите, чтобы люди страдали, слушая один и тот же звук протяжении всей песни.
Всегда, слушайте то, что вы делаете, и не бойтесь пробовать различные комбинации звуков, чтобы понять, что работает лучше всего. Не просто слушайте каждую секцию отдельно, а слушайте переходы и от предыдущей секции, и в следующую секцию. Иногда на это нужно потратить уйму времени, стараясь сделать течение песни плавным от одной части к другой, без слишком резких и грубых переходов. Не торопитесь, поиграйте, чтобы получить лучшие результаты. Вот, где мы находимся сейчас:
Все, что теперь осталось сделать это поработать над нарастанием, ведущем в яму, как правило, самой сложной частью. Дело в том, что тут уже нужно зацепить людей своей песней, но опять же, пока не отдавая им все элементы. Я бы оставил главные лидирующие части до пика, сосредоточив внимание на постепенном добавлении большего количества частей, попутно следя, чтобы ни одна часть не выглядела слишком похожей. Здесь, как правило, я начинаю слушать песню от начала и до конца, попутно убеждаясь, что в этой секции я не звучу слишком похоже на пик или на затухание.
Имейте в виду, что когда вы вводите сильные элементы в песни, они, скорее всего, затмят собой слабые части. Или, что еще хуже, слабые части будут отвлекать от более сильных ослабляя их влияние или сделают звучание песни сумбурным. Например, у меня вступает сильная часть, названная «Sync Lead», в 49 такте, и в то же время я убираю гитару, некоторые ударные и некоторые синтезаторы, чтобы сильнее выделить эту часть. Это также помогает держать энергию немного ниже, в этой части песни, чтобы пока избежать слишком «пикового» звучания. Затем я добавляю обратно некоторые из этих частей непосредственно перед ямой, чтобы немного повысить энергию трека, прежде чем мы «упадем» в эту самую яму. Вот завершенное нарастание:
Ну… нет на самом деле. Хотя, безусловно, многие люди останавливаются на этом этапе и потом удивляются, почему большинству людей не нравятся их песни. Видите ли, это всего лишь черновой набросок песни, основная форма, и на мой взгляд далеко не готовый продукт. Секции песни определены очень грубо, и переходы из каждой части к следующей резкие и, скорее всего, немного скучные. Реальный ключ к интересному звучанию и к желанию людей слушать вашу песню снова и снова, это то как вы проработаете переходы между разделами, как вы их выстроите и сделаете так, чтобы вся песня лилась как единое музыкальное произведение.
Здесь вы можете сконцентрироваться на добавлении заполнений [fills], сделать автоматизацию эффектов и синтезаторов, все, что можно придумать, чтобы не только сохранить статичное звучание частей песни, но и проработать их так, чтобы они подходили к следующей секции. Вам надо сделать так, чтобы люди как бы ожидали, что будет дальше. Даже если вы собираетесь бросать их в самый водоворот событий и делать то, что они НЕ ОЖИДАЮТ. Песня становится интересной, когда вы можете заставить людей подсознательно предсказать, что произойдет. Они погружаются в музыку, они чувствуют, что они являются теми, кто в некоторой степени её формирует.
Существует бесчисленное множество способов сделать это. Я даже не стану затрагивать их здесь. Просто дам несколько наводок:
— Используйте разные вариации и заполнения ударных. В медленной части песни, не бойтесь использовать различные вариации звуков главного барабана. Один из способов это уменьшение количества нот в паттерне, равно как и использование более тихих ударов барабана. Используйте заполнения ударных чтобы обозначить изменение в песне, например быстрый перекат рабочего барабана [snare roll] в последних тактах секции перед переходом в другую.
— Записывайте новые звуковые эффекты. Используйте различные постепенные нарастания синтезаторных партий [synth swells], громкости [fade in] на протяжении такта или двух, подводя людей к новому разделу. Записывайте удар барабана с большим хвостом реверберации, затем реверсируйте его. Таким образом звук реверберации будет нарастать к переходу в новую секцию песни. Но не обрывайте его непосредственно в самой точке перехода. Пускай этот удар барабана затухает, используя ту же реверберацию, это даст более естественное звучание.
— Автоматизируйте срезы [cutoff] фильтров. Это, конечно, очень популярное клише, но оно очень хорошо работает. Когда вы медленно открываете срез фильтра, развитие песни становится гораздо более интересным. Вы часто слышите подобное на выходах из ям и в пиковых частях мелодии. Это, буквально, самый простой способ сделать скучные переходы интересными. Так же поэкспериментируйте другими параметрами, и даже попытайтесь делать это в режиме реального времени с помощью ручек на вашем синтезаторе или контроллере. В этом случае вам даже не придется прорисовывать все эти изменения в окне автоматизации. В общем, я считаю применение этого способа одним из самых надежных приемов, помогающих уйти от слишком повторяющихся звучаний, и придерживаться постоянного развития.
— Семплы из произнесенных слов. Добавленные в нужном месте и не повторяющиеся до тошноты, они могут быть отличным инструментом для обозначения перехода (например «here we go»).
— Изменения эффектов. Попробуйте использовать различные эффекты на одной и той же дорожке в разных участках композиции. Может быть, немного фленджера в нарастании песни, да немного тяжелого хоруса в пике. Будьте изобретательны, но не переусердствуйте, изысканность — вот главный козырь.
— Автоматизация громкости. Выгодно используйте громкость каждой части. Даже небольшие изменения громкости могут известить о приближении перемен в песне. Или вместо того, чтобы резко обрывать и включать звук, постепенно наращивайте или убавляйте его громкость, чтобы сделать переход менее резким.
Я думаю, вы поняли идею. Именно эти маленькие сладкие на слух хитрости помогают как всей песне, так и каждому отдельному переходу, плавно, но в то же время интересно литься. Есть несколько песен, где я пробовал добавлять что-то каждые 8 тактов, и люди слышат что-то новое каждый раз, когда они их слушают. Ведь больше всего на свете вы хотите держать слушателей ЗАИНТЕРЕСОВАННЫМИ! Если им становится скучно, то вы становитесь кандидатом №1 в их списке композиторов не достойных дальнейшего прослушивания, независимо от того, в каком стиле музыки вы работаете.
Поэтому слушайте вашу песню много раз от начала и до конца, отмечайте части, где однообразное звучание длится слишком долго. Скорее всего, если они заставили вас скучать хоть немного, или ваше внимание отстранилось, то с другими людьми это произойдет гораздо быстрее. Сосредоточтесь на этих областях, попробуйте различные сочетания звука, или добавьте в них что нибудь, чтобы сделать их более захватывающими. Послушайте, как песня течет в целом, соответствует ли требованиям заложенным вами в самом начале? Если нет, то лучше ли она изначальной идеи или вам нужно поработать с ней еще?
Не торопитесь, и делайте перерывы, чтобы немного вернуться в реальность. Останавливайтесь не надолго раз в несколько часов, а затем возвращайтесь к работе со свежими ушами. Всегда слушайте всю песню после этих перерывов, а не просто погружайтесь в работу над небольшим участком. Убедитесь, что мелодия в целом работает, прежде чем сосредоточиться на какой-либо одной части. Помните, что вашей целью является создание законченной интересной песни, а не нескольких, пускай даже и очень интересных, тактов. В противном случае нам придется вернуться туда откуда мы начали 🙂
Переведено elsral.
Оригинал статьи находится здесь.
Все права остаются за автором.